The Manhattan Airport Foundation es una empresa establecida en Nueva York y cuyo objetivo es construir un aeropuerto en Manhattan. Esto descongestionaría el tráfico aéreo y disminuiría las emisiones de CO2 al reducir el trayecto de los viajeros entre la ciudad y el aeropuerto. El lugar elegido para situar el aeropuerto es Central Park, suponiendo esto la realización de la obra a mayor escala que Nueva York ha experimentado desde la creación del mismo parque en 1850. La empresa argumenta que los espacios públicos están actualmente infrautilizados y deberían estar al servicio de los intereses de la comunidad y revalorizar las zonas donde se encuentran. Tienen una sofisticada página web donde se puede uno hacer miembro gratis. Desde ésta piden firmas para que el proyecto se realice y hasta el momento tienen 72.926. También solicitan donaciones para la causa: por cada 1000 $ de aportación se puede dedicar un banco del futuro aeropuerto. La fundación ha convocado un concurso para el proyecto y ha invitado a arquitectos de prestigio internacional. De momento se pueden ver imágenes del volumen en 3D.
Aunque el proyecto entero es una broma (la compañía está registrada de forma anónima y sus oficinas se encuentran en una planta inexistente del Woolworth Building), ha sido lo suficientemente convincente para que los medios lo hayan publicado, generando debate social. Si esto se construyese, el pulmón verde más importante de Manhattan desaparecería entre terminales y pistas de aterrizaje, siendo algunas de sus partes más emblemáticas recolocadas en algún punto dentro del aeropuerto. A pesar del miedo que tienen los ciudadanos a ataques terroristas en avión desde el 11s, hay casi 73.000 personas que lo han considerado un proyecto real y han firmado pro-aeropuerto.
La página ha ganado considerable fama en los últimos días. La pregunta que uno no puede evitar hacerse es cuál es el objetivo de toda esta campaña o si sus creadores pretenden lanzar otro negocio desde aquí usando la polémica como publicidad viral.
Tom Ngo explora a través de sus ilustraciones la arquitectura del absurdo. En su página web dice que comenzó con ello cuando encontró una caja de acuarelas en un cubo de basura. También explica que utiliza el absurdo como herramienta teórica que le permite cuestionar las convenciones arquitectónicas, irremediablemente atadas a la racionalidad y el sentido común. Ngo afirma que, usando diferentes marcos de pensamiento, los arquitectos serían capaces de crear soluciones nuevas, alejadas de las decisiones habituales de diseño. Permitiendo soluciones que habitualmente serían descartadas por su irracionalidad, el absurdo aporta alternativas no lineales que cuestionan la lógica contemporánea. A continuación algunas de sus obras y la traducción de la breve descripción que él mismo hace de ellas.1. A Small Monument for People With 8 Arms Coloured Pencil and Ink on Trace. 12 in. x 8 in.
Un diseño tributo a la gente de 8 brazos. Viene completo con plataforma ondeante, espalderas y pasillo de manos locas.
2. No Other Way Coloured Pencil and Graphite on Paper. 13 in. x 18 in.
Casa de los sueños de un coleccionista de trituradoras de carne. El edifico de arriba está construido a base de 4 fachadas iguales, presentandole un nuevo hogar cada vez que llega en globo. La estructura de abajo es un retrato mental de su constante cambio diario.
3. The Contortionist Coloured Pencil and Graphite on Paper. 14.5 in. x 22.5 in.
Este rascacielos se curva y gira sobre sí mismo mientras a la mitad de su sección hay una terraza blanca enorme. La imagen está inspirada por el viejo truco de la magia de cortar a una persona por la mitad.
4. The Grass Grew There Mythically Tall Coloured Pencil and Graphite on Paper. 22 in. x 16.5 in.
Dibujo que altera las propiedadades del cesped y explora su implicación arquitectónica. En primavera crece la hierba y la casa descansa sobre ella. Cuando el cesped se retira en invierno puede verse la estructura inferior.
5. In Its Time it Was the Largest Drafting Board in the World. Coloured Pencil and Ink on Trace. 10.5 in. x 22 in.
Tablero de dibujo a lo largo de un edificio con fijaciones en las nubes.
Slave City puede describirse como una distopía siniestra que a la vez es racional, eficiente y rentable (7 millones de euros netos de beneficios al año). Los conceptos de valores, ética, estética, moral, alimentación, energía, economía, organización, gestión y mercado han sido revertidos, mezclados y reformulados para concebir esta ciudad de 200.000 habitantes. Estos trabajan 7 horas al día en la oficina, otras 7 en campos o talleres, después les permiten 3 horas de ocio y 7 para dormir. Slave City es una ciudad ecológica y autosuficiente, produce su propia energía y recicla todo. Así nos presenta Atelier Van Lieshout este campo de concentración tecnológicamente avanzado que parece directamente salido de "1984" o "Un Mundo Feliz".
Centro de Bienvenida
Antes de entrar a Slave City y convertirse en habitante hay que pasar por el Centro de Bienvenida. En este edificio es donde se selecciona a los participantes según la conveniencia de su llegada y trabajo posterior. Los ancianos, los enfermos y los feos son reciclados en biogas. A la gente sana y poco inteligente se la procesa en la fábrica de carne. A los jóvenes y muy sanos se les permite participar en el programa de transplante de órganos. Las personas sanas e inteligentes irán a trabajar a la ciudad.
Prostíbulos
A los habitantes de Slave City no se les paga por su trabajo, pero a cambio se les conceden algunos privilegios como el asistir a prostíbulos. En el prostíbulo para trabajadores de clase alta, de planta triangular, se puede elegir entre distintos tipos de placeres. En cambio, los esclavos de clase baja tienen menos donde elegir en burdeles modulares estilo Bauhaus.
Universidades
Aquí es donde se educa a los esclavos en la bondad y la eficiencia. La maqueta de arriba representa la Universidad de los Esclavos Hembra y la de abajo la Universidad de los Esclavos Macho. El régimen de los estudiantes es similar al de los trabajadores: 7 horas de estudio, 7 horas de trabajo en el campo, 3 horas de ocio y 7 horas de sueño. En estos edificios los profesores son los únicos que reciben retribuciones por su trabajo.
Vajilla de Slave City
Vajilla de Slave City decorada con escenas cotidianas de la vida y actividad de los departamentos de la ciudad, tales como Recursos Humanos, Producción de Energía, Motivación y Relajación o Transplante de Órganos.
Julius Shulman, el fotógrafo que documentó las imágenes icónicas del movimiento moderno americano murió el 16 de Julio. Las fotos de Shulman no solo presentaban la arquitectura, si no también el estilo de vida asociado a ella. La mayoría de las casas que retrató fueron iconos del cine de Hollywood. Sus imágenes de la Casa Kauffman de Richard Neutra en Palm Springs y de la Case Study No. 22 de Pierre König en Los Angeles forman parte de la historia de la fotografía arquitectónica.
Estoy en Barcelona y aquí os dejo mis recomendaciones para esta semana:
QUINQUIS DE LOS 80. CINE, PRENSA Y CALLE
Navajeros, el Pico, el Torete, el Vaquilla y todos los delicuentes juveniles de las películas de los 80. Aquí os dejo el programa según el CCCB:
Quinquis de los 80: cinema, prensa y calle
El punto de partida de «Quinquis de los 80» es la figura del quinqui acuñada por el fenómeno del cine de delincuencia juvenil. Los códigos de representación de la delincuencia juvenil del cine quinqui han pervivido hasta la actualidad de tal manera que el estereotipo del quinqui, sometido a un proceso de estetización, continúa hoy en día ejerciendo una fascinación desenfrenada.
Los barrios de los setenta: polígonos, paro y depresión
Durante los sesenta se pusieron en marcha, ante el déficit de vivienda barata, los planes de urgencia social. El resultado fue un urbanismo de pésima calidad, con unos barrios sin los servicios más básicos, hecho que precipitó la aparición de los movimientos vecinales. La crisis de los setenta y el paro acabaron por convertir estos barrios en el territorio germinal del quinqui.
Nuevas formas de ocio
Aquella generación de jóvenes fue partícipe, por primera vez en nuestro país, de las corrientes de la cultura juvenil. En la sala de juegos se presentan los elementos de evasión del estilo de vida adolescente: los colegas, el sexo y las drogas; así como las manifestaciones de la cultura popular que proyectaban imágenes afines de rebeldía, escapismo y marginalidad, como el cómico o la música.
Vía Límite
En 1975 un 25% de la población mayor de 14 años quedaba excluida del sistema educativo. La edad laboral -como la penal- se situó en los 16 años, así que para muchos jóvenes sólo quedaba la calle. Además, la irrupción de la heroína hizo estragos. En un clima de alarma social, amplificada por los medios de comunicación, el delincuente juvenil se convirtió en el enemigo público número uno.
Quinqui-Stars
La presencia que los jóvenes delincuentes tenían en los medios de comunicación es clave para entender su iconización. El Vaquilla y El Jaro son las estrellas más brillantes de este universo, auténticos héroes de la marginalidad, gracias a los biopics cinematográficos: Navajeros, la saga Perros callejeros y Yo, El Vaquilla. Estas películas conforman la médula del cine quinqui. El reformatorioEl Tribunal Tutelar de Menores disponía de tres opciones para tratar el problema de la delincuencia infantil. La primera era devolver el niño a casa, si los padres accedían a ello. La segunda era internarle en un reformatorio. La tercera opción, reservada a los más peligrosos, era su ingreso en prisión. Ante la falta de plazas especiales, muchos ingresaban en las prisiones de adultos.
Desde las azoteas, veo la ciudad
A la obsolescencia de las instalaciones carcelarias, debía sumarse los problemas derivados de la superpoblación y la escasez de recursos. La herencia franquista dejaba un sistema basado en la versión más represiva y punitiva. La situación estalló con la ola de motines de 1977, que desembocó en la creación de la COPEL (Coordinadora de Presos Españoles en Lucha).
La pervivencia del mito
Este ámbito aborda la pervivencia que el fenómeno quinqui ha tenido después de su auge y del final trágico de muchos de sus protagonistas, tanto en la ficción como en la realidad. De la mano de una nueva generación, se produce una pirueta estética mediante la cual el quinqui de los ochenta se erigió en icono castizo cool. El mito hoy, especialmente en Internet, vuela libre.
Exposición en Disseny Hub Barcelona sobre la industria del turismo y su producción. Análisis del sector y proyectos reales, futuros o imaginarios. Copio aquí lo que dice el propio DHUB sobre la exposición:
Playas y montañas, bosques y ciudades, héroes y malvados.Parajes reales o paraísos soñados representan hoy el anhelo de millones de personas. Anhelos del paraíso por el que todos estamos dispuestos a pagar un precio. El turismo, hoy en día, es la primera actividad económica mundial, una industria capaz de proporcionarnos todos los deseos, capaz de reproducirlos, capaz de construirlos. Y el turista es el habitante de estos anhelados espacios de ficción. La primera exposición del Disseny Hub Barcelona quiere aproximarnos a la realidad de una industria enorme y a los diseñadores que la proyectan. Esta es, sin duda, una relación compleja, llena de contrasentidos y de momentos dulces. Igual que la sociedad en la que vivimos.
Programa "Turismo. Espacios de ficción"
"Turismo. Espacios de ficción" forma parte de un programa de actividades que, con el mismo nombre, se desarrolla en el DHUB en torno al turismo desde la planificación, el proyecto y el diseño.Y se lleva a cabo conjuntamente con el Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC), con la exposición "La arquitectura del turismo"; la Associació de Dissenyadors Gràfics i l’Associació de Dissenyadors Industrials del FAD, con la exposición "Low Cost"; el master de la UPC Intelligent Coast, con el estudio de investigación MultiRambles, y con producciones propias del Disseny Hub Barcelona como la exposición "Turismo. Espacios de ficción "y "Efecto Souvenir".
Y para terminar algo de música. Hoy: grupos que van al Primavera Sound 2009
Wild Eyes / Vivian Girls Always Wanting More / Jay Reatard Days of Last / Fucked Up
Jonathan Horowitz ha producido una película para el Museo Ludwig donde combina imágenes de documentales sobre el cambio climático con cine catastrofista hoollywoodiense e imágenes del 11S. Horowitz conecta la industria del entretenimiento con las ideas apocalípticas de fundamentalistas religiosos a través del momento en el que el terror irrumpe en la realidad. Todas estas conexiones acaban por coincidir en la figura de Mel Gibson, concretamente entrevistas personales donde explica como canaliza su energía (auto) destructiva a través del arte y la religión. El actor se volcó hace años en la fé católica para superar un problema de adicción. Jonathan Horowitz trabaja con video, escultura, instalación sonora y fotografía. Su obra explora de manera crítica las relaciones entre símbolo, media y cultura del entretenimiento, estableciendo conexiones subersivas de los ideales americanos. Sus temas habituales son política, propaganda, guerra, cine, consumo y fama. Actualmente se expone una retrospectiva de su obra en P.S.1, New York Fotos de su obra en: Gavin Browns Enterprise
El Museo Nacional de Arte de China inaugura esta semana la exposición Crossing: Dialogues for Emergency Architecture. La exposición, que abre el 12 de Mayo coincidiendo con el aniversario del terremoto de Wenchuan, revisa las desgracias del pasado, analiza las que están por venir y establece una plataforma de discusión e investigación acerca de la arquitectura post-catastrofe. 17 arquitectos han sido invitados a diseñar refugios de emergencia seguros, eficientes, agradables y bonitos para víctimas de catastrofes naturales (terremotos o huracanes) o sociales (epidemias). El 13 de Mayo habrá un symposium en el museo sobre prevención de catastrofes globales, protección del medio ambiente y reconstrucción. Ayer ArchDaily publicó un artículo sobre uno de los proyectos, Epidemias, de I/K Studio. Los arquitectos reflexionan sobre la rapidez de contagio de enfermedades, la resistencia creciente de virus y bacterias a los medicamentos y las armas biológicas y se centran en la cuarentena como base de su trabajo: como separar a la gente infectada de la que no lo está y donde, qué características físicas debería tener ese espacio. Su investigación se centra en las siguientes preguntas: ¿Cual sería el espacio máximo y mínimo necesario para contener de forma segura una enfermedad contagiosa? ¿Cual es el espacio cultural de ansiedad social de los sanos vs. el espacio de alienación de los enfermos? ¿Quien tiene el poder de determinar el control de la cuarentena y la pérdida de libertades civiles asociada? ¿Cómo podemos crear un medio ambiente donde los grupos sociales, las familias y las comunidades se mantengan?
Como respuesta a estas preguntas y tomando como referencia las estructuras hinchables de Ant Farm y Tjebbe van Tijen en los años 60 y 70, I/K Studio propone el uso de superficies-membrana como material de separación entre los infectados y los no infectados, creando espacios burbuja en la ciudad.
No puedo evitar preguntarme de que forma estas membranas responden al problema y las preguntas planteadas anteriormente. La idea que los arquitectos quieren transmitirnos es que un cerramiento de este tipo favorecería el diálogo social al minimizar la barrera entre ambas partes manteniendo las condiciones de seguridad. Para ello usan como referencia las propuestas de grupos de experimentación radical de los 60-70 y las estructuras hinchables de sus happenings. Al tratar una sala de cuarentena como un happening, la enfermedad y la muerte se convierten en espectáculo. La gente aislada en estas burbujas puede morir en plena calle y cualquiera puede asistir al evento. Los fotomontajes de proyecto son muy atractivos porque las salas de cuarentena están vacías. Si tuvieran gente agonizante dentro el efecto sería distinto. Por otro lado la forma de abordar el proyecto es muy ingenua. Lo más importante para todo gobierno en un estado de emergencia no es el diálogo social, sino la vigilancia y el CONTROL. Y aquí el proyecto sí cumple las expectativas. La propuesta soluciona de forma muy efectiva el problema del control social durante epidemias. En resumen: hablamos de AISLAMIENTO, HIGIENE, EXHIBICIÓN y VIGILANCIA (5), de La Casa de Cristal de Philip Johnson (1)(2), de La chica nómada de Tokio de Toyo Ito (3)(4), de Big Brother, de cámaras de seguridad, del papamóvil, del Facebook...
1. Casa de Cristal de Philip Johnson vía Matthew Langley Art Blog; 2 y 3. Proyecto "La chica nómada de Tokio" de Toyo Ito vía Inutil e Inestable; 4. Jade Goody del Gran Hermano Británico o la muerte en directo vía El Pais; 5. Cámara de vigilancia vía Visual Cam; 6. Benedicto en el Papamóvil vía negocios.com
Y para terminar algo de música. Hoy: grupos que van al Primavera Sound 2009
When You Sleep / My Bloody Valentine Electricity / Spiritualized
OMA ha diseñado para Prada el Stand Prada Transformer. Se trata de una estructura temporal compuesta por 4 formas de suelo distintas (cruz, circulo, hexagono y rectángulo) envueltas en una membrana translúcida que albergan diferentes programas. Cada uno de estos suelos es una cara de un tetraedro y el pabellón cambia de forma al girar sobre sus caras para dar cabida a exposiciones de moda, pasarela, festival de cine y exposiciones de arte este verano en Seúl.
Y para terminar algo de música. Hoy: grupos que van al Primavera Sound 2009
Starting to Dreaming / Wooden Shjips Big Black Baby Jesus of Today / Black Lips Hillbilly Music / Kitty, Daisy and Lewis
ArqTopsia tiene sólo dos años de vida, pero doce, y quizá más, de gestación como concepto. Las axonometrías constructivas que JARF –Juan Antonio Rodríguez Fernández- dibuja para algunas de las editoriales de arquitectura más conocidas fueron siempre, al fin y al cabo, autopsias de arquitectura. Con todo lo que la frase conlleva respecto al estudio detenido de toda la documentación de proyecto en su estado final de obra: plantas, alzados, secciones, detalles constructivos, memoria, fotografías… su desconstrucción mental y la posterior recomposición, capa a capa, teniendo un cuidado especial en cómo se muestra lo que enseña, para que el resultado sea respetuoso pero honesto con el edificio, que ya existe y suele estar acabado. Después de aparecer en libros y revistas de arquitectura de difusión internacional, las axonometrías de JARF se trasladan a formatos y texturas bien distintas –impresión térmica sobre lienzo- en la exposición itinerante ArqTopsia que ha recorrido, en estos dos años, las salas de exposiciones de tres escuelas de arquitectura: Barcelona, Segovia y Madrid, tres colegios oficiales de arquitectos: Madrid, Almería y Asturias –sede de Oviedo- y dos galerías de arte: Galería COAM en Madrid y OAB en Barcelona. Desde el pasado 23 de abril puede contemplarse una selección de cinco de los dibujos realizados por el autor en la sede del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (calle Barquillo, 12, planta baja)
Y para terminar algo de música. Hoy: grupos que van al Primavera Sound 2009
100% / Sonic Youth So Bored / Wavves Dum-Dum / Vaselines
¿Como será el mundo cuando el deshielo del Ártico sea una realidad? Squint/Opera ya se lo han imaginado. En su serie "Flooded London" presentan una utopía tranquila situada dentro de unos 80 o 90 años. La gente aparece feliz y relajada, adaptada a su nuevo medio ambiente. Juegan, sonríen, se bañan y recolectan objetos preinundación que les puedan ser útiles.
J.G.Ballard, analista visionario del impacto emocional y psicológico de la arquitectura en el individuo, murió el domingo 19 de Abril. Nic Clear dirige junto con Simon Kennedy desde 2007 en la unidad 15 de la Bartlett School of Architecture , los cursos "Crash: Architectures of the Near Future" (2007-2008) y "The Near Future Part II" (2008-2009), donde se reinterpreta el espacio arquitectónico ballardiano.
Unit 15 utiliza video, infografía y animación para generar nuevas realidades, lo cual es bastante innovador respecto a las formas tradicionales de contar proyectos en arquitectura.
Nic Clear fue entrevistado en diciembre por Simon Sellars de Ballardian. A continuación traduzco partes de la entrevista que me parecen partícularmente interesantes para comprender su pensamiento y líneas de investigación. Al final hay un enlace a la entrevista completa.
"El espacio sintético está fusionando el real y el virtual; escritores como Ballard y Burroughs han descrito ese espacio sintético durante años. En términos arquitectónicos lo veo como la incapacidad para diferenciar espacios intersticiales y sus representaciones (donde cada vez más las representaciones espaciales se vuelven propuestas espaciales)."
"Empecé mi tesis en 1989 con una cita de Frederic Jameson: ‘Of all the arts, architecture is the closest constitutively to the economic, with which, in the form of commissions and land values, it has a virtually unmediated relationship.’
Poco ha cambiado desde entonces; de hecho las cosas han ido a peor. La arquitectura es ahora sinónimo de la profesión de arquitecto (o Complejo Corporativo Arquitectónico), la especulación es financiera más que intelectual y los arquitectos han sido cómplices de la clase de pensamiento y comportamiento avaricioso que nos ha metido en la actual crisis financiera global. Tenemos que dejar de pensar en arquitectura simplemente en términos de construir edificios (esta es la razón por la que estoy tan interesado en inspirame en otros modelos y disciplinas)."
(respecto al uso de audiovisuales)
"Mi principal interés en las técnicas basadas en el tiempo es la habilidad para contar historias. Sin embargo, a un nivel pedagógico trabajar con cine, video y animación enseña un gran número de técnicas estéticas y organizativas, así que a pesar de mi retórica antiprofesión, parece que estoy haciendo un buen trabajo ayudando a los estudiantes a desenvolverse con éxito en la profesión" Traducción propia de partes de la entrevista. Si quieres leerla entera: Ballardian>>‘Architectures of the Near Future’: An Interview with Nic Clear
"Untitled" de Peter Kidger, producida por el curso de Nic Clear en la Unit 15 "Crash: Architectures of the Near Future"
"The Sound-Sweep" de George Thompson basado en la historia de J.G.Ballard, producida por el curso de Nic Clear en la Unit 15 "Crash: Architectures of the Near Future"
"Untitled" de Dan Farmer, producida por el curso de Nic Clear en la Unit 15 "Crash: Architectures of the Near Future"
"London after the Rain" de Ben Olszina-Marzis Farmer, producida por el curso de Nic Clear en la Unit 15 "Crash: Architectures of the Near Future"
