martes, 29 de diciembre de 2009

FLEEEESH ! ! !



Videodrome (David Cronenberg, 1983) exploraba la posible fusión de la máquina y el cuerpo en una atmósfera de terror tecnológico. Al final de la película, Max Renn, el protagonista, se suicida cambiando su cuerpo corrupto por la Nueva Carne al otro lado del televisor. Su mano se ha fusionado con la pistola y la piel tiene un aspecto similar a la de un pulpo. Y uno no puede evitar preguntarse que pasaría si esto se hiciera realidad.

Los avances en bioingeniería permiten actualmente desarrollar pequeñas porciones de piel viva a partir de células madre. Esto es especialmente útil en tratamientos de accidentes y quemaduras. Se espera que en un futuro esta tecnología se siga desarrollando y... ¿qué ocurriría si pudiésemos producir carne viva a nivel industrial? ¿Podría llegar a ser éste un material de construcción eficiente? Imaginemos que se puede fabricar en grandes dimensiones y mantener viva mediante un sofisticado sistema electrónico-digital. Y que empezamos a utilizarlo como elemento de división de espacios. Llegaríamos entonces al concepto de "piel" en el sentido literal del término.

Marcos Cruz es un arquitecto que vive y trabaja en Londres. Junto a Marjan Colletti dirige la Unit 20 en la Bartlett UCL. Marcos Cruz ya ha imaginado todo lo expuesto anteriormente y parte de la base de que esta piel viva con un sistema digital que la mantiene existe.
Su investigación explora la relación entre la piel humana y la arquitectónica. En su proyecto "Hyperdermis" los usuarios habitan una piel arquitectónica viviente. Ésta es un tejido biológico con instalaciones de servicio. El proyecto entero adopta la estética de la carne. Se construye un escenario hipotético de muros habitables, superficies atravesadas por poros, cicatrices protuberantes, tentáculos reactivos o cámaras empotradas a las que el usuario llega arrastrándose por orificios extensibles.Su intención es revertir el discurso de la arquitectura tradicional donde se proyecta pensando en el espacio vacío y utilizar el muro-carne como herramienta central del proyecto.

Cruz esgrime que la relación de los humanos con su propio cuerpo está cambiando y la cirugía estética es sólo el principio. Cada vez mayor número de técnicas posibilitan mejoras anatómicas y sensoriales. La confianza en que nuestro propio cuerpo se transformará en un "cuerpo tecnológico" capaz de interactuar con el medio de manera cambiante y responsable es crece con el tiempo. Esta fusión cada vez más posible de la tecnología con la carne le lleva a pensar en espacios habitables que puedan integrarse como parte de este "cuerpo tecnológico" y conectar sus "organos" electrónicos a las terminaciones nerviosas de este.




Fotografías: Fleshscape 1 y Fleshscape 2 de Yu-Ying Hu



Audio:



jueves, 15 de octubre de 2009

THE MICHAEL JACKSON MONUMENT DESIGN COMPETITION

Freedom Tower (9/11 / MJ memorial towers/anti terrorist device) de Harrison & White

Michael Jackson falleció el pasado 25 de Junio y millones de fans lloraron su muerte. Las ventas de sus discos se han disparado y los homenajes aún se suceden. Archinect y Bustler pensaron que debían hacer algo al respecto y convocaron el concurso LIVE FOREVER.
Fun? de Prozacville

Pilgrimage by Ross

"Michael Jackson vivió una de las vidas más extravagantes, magníficas y llenas de arte en siglos. ¿Qué gesto de diseño podría expresar la complicada vida de la estrella?" comenzaba el enunciado, lleno de preguntas-"¿Cuál es la esencia de un monumento a Michael Jackson? ¿Qué único lugar elegiríamos para recordar a una persona que conmovió al mundo y aspiró a la luna? ¿Cuál es la escala apropiada para recordar a un hombre que operó sobre todo lo posible-desde la estudiada renovación de su propia forma humana a la creación de una "cámara de las maravillas" a escala arquitectónica en su rancho Neverland? ¿Qué propuesta de diseño puede culminar sus propios planes no realizados de construir una réplica robótica de sí mismo de 15 metros de altura que vagase por el desierto de Las Vegas disparando rayos laser por los ojos?"- que concluían animando a los participantes a diseñar un monumento sin límites a la epopeya de Michael Jackson.

Está claro que con semejante enunciado las propuestas han sido de todo menos comedidas.
Monumentos con uno o varios satélites luminosos que orbitan alrededor de la Tierra, intervenciones sobre la luna, torres-portal interestelar que ovnis podrán utilizar en el futuro, torres-Michael, torres con Michael troquelado, torres en forma de manos de Michael, parques de atracciones, pistas de baile, recintos donde pueda profesarse el culto al "Rey del Pop", en fin, decenas de propuestas imaginativas, grandiosas, bizarras, humorísticas, conceptuales... publico aquí una selección mientras me pregunto cómo sería el mundo si se construyeran. Si quereis verlas todas ahí van estos enlaces:

Lista de todas las propuestas finalistas

Lista de ganadores, aquí pueden verse 2 listas de ganadores: elegidos por el jurado y por el público. La verdad es que sorprende un poco la elección del jurado. Después de haber redactado semejante enunciado eligen una propuesta conceptual, un contador que mide los minutos que quedan hasta que la obra de Michael este libre de derechos de autor. La opinión del público me gusta más.

DEUS EX MACHINA by Christoph Kapeller


FOREVERLAND RANCH by timn186


Nevership Stations by eigenvectors


Moon Shot by aliebchen


It's the economy stupid! by Timtimtim

martes, 13 de octubre de 2009

MIESTAKES


Ayer estuve leyendo en el Especial Chicago de a+t un artículo de Rem Koolhaas sobre su intervención en el campus del ITT Chicago.
Se llama Miestakes y trata sobre las diferencias entre aquellos puristas de la arquitectura que son partidarios de preservar con infinito celo las obras maestras de la arquitectura y aquellos, como el propio Koolhaas, que piensan que la evolución implica cambios, tranformaciones, adaptaciones. El texto, que fue publicado en a+t 23, me parece recomendable y lo reproduzco a continuación. El articulo original se encuentra aquí.



Problema. De acuerdo con las estadísticas, un o una estudiante y sus padres deciden, a los cinco minutos de su llegada, si solicitan plaza en una universidad o no.
Sometido a esa prueba, el campus del Instituto de Tecnología de Illinois de
Mies van der Rohe tiene algún que otro problema.
El campus del IIT es una obra maestra invisible al ojo contemporáneo. La obra de Mies pasa desapercibida si no se dan las explicaciones correspondientes.


Firma
Para cambiar las tornas a ese declive de popularidad, se organizó, en 1997, un concurso para un nuevo Centro de Estudiantes.
En la documentación que entregaron
Zaha Hadid y Peter Eisenman, aparecen soluciones que están desplazadas hacia el sur del centro geográfico del campus con el fin de enfrentarse directamente al Crown Hall. Ignoran la meditación de Mies sobre lo genérico y están a favor de arquitecturas únicas y heroicas que constituyan un punto de partida radical para el campus.
¿La grandeza de Mies es "sostenible" al lado de la obra maestra de tipo medio de finales del siglo XX? ¿Puede lo típico sobrevivir a la firma, ni siquiera cinco segundos?


Limpieza
Yo no respeto a Mies, amo a Mies.
He estudiado a Mies, excavado a Mies, reensamblado a Mies. He incluso limpiado a Mies.
Como no reverencio a Mies, estoy peleado con sus admiradores.


Las villas de 1930 se pueden leer, no como entidades individuales, sino como fragmentos de una condición urbana. Mies es romano; Las villas de Berlín encajan entre ellas de una manera tan entregada como sus gemelas de Pompeya.


Nadie, especialmente en Chicago, habla de la calidad de Mies como urbanista.
Es la ambigüedad maravillosa del campus del IIT lo que hace que el estatus de su sustancia edificada oscile entre objeto y tejido, lo que hace que sus módulos lleven implícita su potencial ampliación y pese a todo, acaben además, enfáticamente, lo que hace que sus estructuras oscilen indecisas entre un primer plano en recesión y un fondo destacado.


El campus del IIT se concibió en 1939, se construyó inicialmente por Mies entre 1942 y 1958 y se "terminó" por sus acólitos desde 1958 hasta 1968.
En el planeamiento preliminar, Mies empleó un muro de edificios genéricos, lineales para encuadrar un patio en el que se incluían dos edificios tipo Crown Hall.
Lo genérico se usaba como escenario para las piezas del decorado. En el plan definitivo, los edificios del fondo pasaron a primer plano, -tratando al escenario como una pieza del decorado.
Mies no diseñó edificios independientes, sino una condición sin forma que pudiera manifestarse como edificio en cualquier emplazamiento y ser (re)combinada bajo un número infinito de configuraciones.


Aislado
En su estado actual, el IIT de Mies está aislado.
La crisis verdadera del IIT no es debida a su relativo descuido y negligencia a los que ha sido sometido, sino a la desaparición de la ciudad,
Chicago, en torno a él.
Su anulación brutal ha convertido el campus en una tabula rasa metafórica rodeada por una tabula rasa auténtica; la desaparición de la ciudad ha borrado el suelo bajo los pies de Mies.


Aislado II
El Commons se pretendió que fuera un objeto en un contexto diseñado.
Desde su construcción, la banda de terreno que se enfrenta al campus de Mies, situada en el lado este de la calle State se ha convertido en un espacio abandonado y ahora está completamente dedicada a aparcamiento.
El encuentro entre la solitaria caja de Mies y el paso fugaz y veloz del tren "L" es tan absurdo como la evocación del conde de Lautréamont sobre el encuentro fortuito entre un paraguas y una máquina de coser, un pastiche surrealista. Sin contexto, el Commons se ha convertido en un no-acontecimiento.
El Commons está perdido en una tierra de nadie, es un edificio en el vacío, doblemente aislado en el amplio espacio en ruinas del campus.


Financiación
El Commons comenzó por una carencia de financiación.
"(Debido a) la incapacidad del IIT para conseguir los fondos necesarios para la Student Union, la pieza compañera de la Biblioteca y uno de los dos edificios con carácter público del campus, el Commons se apropió de muchas de las funciones incluidas en la Student Union."*
El proyecto original del Commons aludía a un "centro recreativo" para el campus del IIT, incluyendo un comedor, una tienda de ultramarinos, una peluquería, una lavandería y posiblemente una zona al aire libre.
Desinteresado por el programa, Mies abandonó el diseño en manos de Gene Summers, el arquitecto al cargo del proyecto, y rechazó tomar en consideración el trabajo hasta que Summers hubo propuesto la creación de un centro comercial cerrado.
* Carta de Phyllis Lambert al autor


Lealtad
¿Es lícito matar?
Mies necesita ser protegido de sus defensores.
En 1986, el Pabellón de Barcelona se reconstruyó en colores. Con esta resurrección, se mató su aura. (En la historia de la arquitectura el edificio permanece en un terco blanco y negro.)
La mitad de los años ochenta coincidió con la apoteosis inicial de la economía de mercado.
¿Es esto una coincidencia? ¿Ha sido utilizado Mies dentro del marketing de la ciudad?
Una utilización que ha ido desde el homenaje hasta la ofensa, en nombre de la memoria y el respeto.
En la economía de mercado, el shopping es lo que sustenta el ámbito de lo urbano. Una gran parte del Pabellón es actualmente una tienda de recuerdos.
"¿Cómo ha sido tratado Mies por el mundo? El Pabellón de Barcelona... ha sido reconstruido y es ahora una gran atracción."*
* Carta abierta de John Vinci, el mayor oponente oral al proyecto de OMA, enviada al IIT "en defensa" del Commons


Solución
El hecho de incorporar el Commons al Centro de Estudiantes ha generado contexto y volúmen. Los ajustes que han sido necesarios para esta nueva coexistencia fueron proporcionalmente menores comparados con el abuso al que el edificio ya había sido sometido. De hecho, conectándolo a nuestro proyecto, hemos podido obtener los dólares necesarios para restaurarlo. De manera conjunta, el Centro de Estudiantes consolidado se ha convertido en un bloque urbano que podría comenzar a restablecer la pretendida dialéctica miesiana entre lleno y vacío, entre ciudad y campus.


Solución II
Algunos años después de su concepción aparentemente indiferente y de la negligencia posterior, el Commons se convierte de la noche a la mañana en una obra maestra, sólo por el toque (la amenaza) de OMA.
Vinci: "¿Qué pasa con los que tenemos que convivir con este tipo de vandalismo? ¿Cuál será el futuro de la conservación de edificios históricos?"
En los años sesenta, la cultura americana estuvo impulsada por su preferencia por lo embalsamado, en vez de por lo auténtico. En lugar de utilizar el Commons de manera potente, nuestros críticos proponen convertirlo en un "centro de visitantes" para ensalzar su dignidad (de manera retroactiva).
La solución final para lo miesiano: salvarle la vida supone rescatarlo por medio del turismo.
Vinci: "Existen funciones más compatibles con el Commons que no violarían su arquitectura...¿Por qué no se considera la idea de situar el Club Universitario y el Centro de Información sobre Mies en el Commons con otros servicios que sean compatibles? Sería un lugar maravilloso para experimentar la arquitectura de Mies."
* Carta abierta de Vinci


Falta de compromiso
Se pusieron en marcha unas negociaciones con el fin de "minimizar" un compromiso que pudiera aportar una nueva vitalidad.
La Agencia para la Conservación del Illinois Histórico: "El tratamiento que se dé al entorno inmediato del edificio Commons es clave para minimizar el efecto del nuevo diseño sobre el edificio histórico."
Cada desayuno con los miesianos añadía nuevos ingredientes para el desacuerdo, para el desacople.
Y por parte de Vinci: "Por favor, decidle a
Koolhaas que yo no soy ningún monstruo que intente destrozarlo.... Algún día tendré que encontrármelo... y no quiero tener que golpearlo en la nariz."
"Pídanle a
Koolhaas que aparte su edificio dos crujías del Commons hacia el sur. Eso no tiene por qué cambiar sus planes o incrementar el coste de ninguna manera."*
* Carta enviada al autor.


Patio de comidas
"Otros" se permiten las libertades que se le niegan al arquitecto. Mientras OMA se estaba peleando por la Historia, el IIT aceptó que el especialista en comidas tuviera vía libre para especular sobre la reconfiguración de Mies en un contemporáneo patio de comidas.
Sus bocetos estaban alentados por su osadía, su energía y su inocencia, pero eran incapaces de ser detectados por el radar del arquitecto. Únicamente los arquitectos somos capaces de ensuciar la arquitectura.


Proximidad
En todas mis visitas a
Chicago, sólo aprendí una cosa nueva sobre los miesianos, o más bien dos.
Una, Mies recibió una vez una carta de Hugh Hefner pidiéndole que le hiciera la sede de Playboy -Mies dijo que no, por razones que ya no son conocidas.
Dos. El taller de maquetas de Mies tuvo, durante los años cincuenta y sesenta, una imagen (ampliamente expuesta) de los estudios fotográficos de la revista Playboy-, la arquitectura de Mies y la primera generación de playmates se fabricaron conjuntamente en una voyeurística proximidad.
Es exactamente ese tipo de proximidad la que proponemos para el Centro de Estudiantes y el Commons, y es la que los miesianos quieren deshacer.


Lapidario
Puede que exista una regla que diga que los dogmas los establecen aquellos que son más propensos a violarlos.
La obra de Mies tenía una esencia de falta de forma, de amorfia, de nadería, de perversión y de ansiedad, debajo de un manto oculto de serenidad.
Mies, con eso de nunca "explicarse" a sí mismo excepto en los términos más lapidarios, nos condenó a todos -especialmente a sus íntimos- a adivinar sus motivos en una segunda lectura.
A Mies se le han malinterpretado sus textos con (demasiada) ligereza. ¿Hasta dónde llega la culpa de Mies -sus pronunciamientos, su ejemplo, su método, su aura-, en la propia malinterpretación de sus textos?


La fusión que Mies realizaba de lo sublime y lo genérico en un nuevo híbrido era una forma de alquimia, un experimento de laboratorio que nunca podría ser duplicado por otros, no podría ser nunca verificado. Mies es una ciencia basada esencialmente en la fe.
¿Es la fuente original responsable de la inteligencia de sus seguidores? ¿Hubiera podido Mies haber evitado la diseminación de la Caja que, en los sesenta y setenta, amenazó con apoderarse de la esencia del original en una avalancha de reproducciones?
La educación puede ser entendida como una trama: puede ser que Mies en el IIT estuviera siempre un poco alentando lo genérico y prefiriera guardar lo sublime para sí mismo.


Acertijo
Esta imagen es un acertijo. Después de, al menos, veintiséis horas de escrutinio acumulado, no ha revelado, pese a todo, el secreto de su impacto.
Es la única fotografía del Edificio de Investigación sobre Metales y Minerales en circulación. ¿Cómo sacó a relucir Mies tanto control? ¿Hay otro arquitecto moderno que insista tanto en la perspectiva? ¿Es Mies la (enorme) figura que está al lado de las puertas gigantescas? ¿Cuál es el significado del coche con curvas voluptuosas?


Auto injurias
Sin embargo, Mies no estaba en contra de la modificación.
En 1956, mucho antes del debate sobre el Commons, la oficina de Mies ya había ampliado el Edificio de Investigación sobre Metales y Minerales con una brusquedad muy poco sentimental.


Mies vigila
Entretanto, una investigación más precisa ha descubierto que el Commons ha sufrido una serie de horribles modificaciones, sin que existiera ninguna protesta audible por parte de la comunidad arquitectónica.
De 1953 a 1999, se produjeron en el Commons "original" más de treinta intervenciones: tubos de desagüe, cuartos de instalaciones (en la cubierta) –una interminable serie de abusos.
El interior estaba completamente irreconocible. El vidrio se había convertido en lana de roca; lo que había sido un pabellón simétrico, se transformó mediante una mampara asimétrica en un local de pizzas.


Lo que fue un edificio prístino en su orden compositivo y en su integridad volumétrica había sido drásticamente modificado por elementos horizontales aleatorios colocados en la cubierta, unidades de aire acondicionado añadidas con indiferencia, tubos de drenaje haciendo estragos en las simetrías.


En cierto modo, esto era el triunfo del deseo miesiano: todo puede ser o no ser nada.
El Commons sobrevivió con impasibilidad olímpica, en un encuentro a solas, a esa usurpación de lo pragmático, a ese flujo de la verdadera vida.
La transformación completa la produjo "el Mies vigila" de sus acólitos. Su olvido permitió alteraciones realizadas por otros (electricistas, "expertos en alimentación") de manera que quedaran fuera los límites meticulosamente conservados de la conciencia arquitectónica.
De acuerdo con Vinci, "Hasta la fecha, ningún arquitecto posterior ha pretendido alterar o adosar nada a ninguna otra arquitectura original de Mies."


Desfigurado
¿Cuándo es Mies más bello, desfigurado o restaurado? ¿Como ruina o como reconstitución? El Commons podría leerse de dos maneras: un pabellón elegante, sorprendentemente complaciente, que Mies intentaba que fuera "común", para absorber todos los embates que le lance la vida estudiantil -para sufrir retroalimentaciones brutales, con cada unidad como un añadido a una composición siempre inacabada y al final aleatoria; o como un icono patéticamente martirizado, lleno de heridas, cicatrices y degradaciones legibles.
En la primera lectura, el Commons se convierte retroactivamente en parte del Centro de Estudiantes. El escenario santificado sólo puede llegar a la cumbre en su segundo intento.


También: Oedipus Rem by Lynn Becker


Audio:

Robert Johnson "Sweet Home Chicago"

jueves, 23 de julio de 2009

THE MANHATTAN AIRPORT FOUNDATION

The Manhattan Airport Foundation es una empresa establecida en Nueva York y cuyo objetivo es construir un aeropuerto en Manhattan. Esto descongestionaría el tráfico aéreo y disminuiría las emisiones de CO2 al reducir el trayecto de los viajeros entre la ciudad y el aeropuerto.
El lugar elegido para situar el aeropuerto es Central Park, suponiendo esto la realización de la obra a mayor escala que Nueva York ha experimentado desde la creación del mismo parque en 1850. La empresa argumenta que los espacios públicos están actualmente infrautilizados y deberían estar al servicio de los intereses de la comunidad y revalorizar las zonas donde se encuentran.
Tienen una sofisticada página web donde se puede uno hacer miembro gratis. Desde ésta piden firmas para que el proyecto se realice y hasta el momento tienen 72.926. También solicitan donaciones para la causa: por cada 1000 $ de aportación se puede dedicar un banco del futuro aeropuerto.
La fundación ha convocado un concurso para el proyecto y ha invitado a arquitectos de prestigio internacional. De momento se pueden ver imágenes del volumen en 3D.






Aunque el proyecto entero es una broma (la compañía está registrada de forma anónima y sus oficinas se encuentran en una planta inexistente del Woolworth Building), ha sido lo suficientemente convincente para que los medios lo hayan publicado, generando debate social.
Si esto se construyese, el pulmón verde más importante de Manhattan desaparecería entre terminales y pistas de aterrizaje, siendo algunas de sus partes más emblemáticas recolocadas en algún punto dentro del aeropuerto.
A pesar del miedo que tienen los ciudadanos a ataques terroristas en avión desde el 11s, hay casi 73.000 personas que lo han considerado un proyecto real y han firmado pro-aeropuerto.

La página ha ganado considerable fama en los últimos días. La pregunta que uno no puede evitar hacerse es cuál es el objetivo de toda esta campaña o si sus creadores pretenden lanzar otro negocio desde aquí usando la polémica como publicidad viral.




Vía Dwell Twitter


Audio:
spotify:track:7wk9XRv8sG0f7RvsABu0sF

miércoles, 22 de julio de 2009

TOM NGO

Tom Ngo explora a través de sus ilustraciones la arquitectura del absurdo. En su página web dice que comenzó con ello cuando encontró una caja de acuarelas en un cubo de basura. También explica que utiliza el absurdo como herramienta teórica que le permite cuestionar las convenciones arquitectónicas, irremediablemente atadas a la racionalidad y el sentido común.
Ngo afirma que, usando diferentes marcos de pensamiento, los arquitectos serían capaces de crear soluciones nuevas, alejadas de las decisiones habituales de diseño. Permitiendo soluciones que habitualmente serían descartadas por su irracionalidad, el absurdo aporta alternativas no lineales que cuestionan la lógica contemporánea.
A continuación algunas de sus obras y la traducción de la breve descripción que él mismo hace de ellas.1. A Small Monument for People With 8 Arms
Coloured Pencil and Ink on Trace. 12 in. x 8 in.


Un diseño trib
uto a la gente de 8 brazos. Viene completo con plataforma ondeante, espalderas y pasillo de manos locas.




2. No Other Way
Coloured Pencil and Graphite on Paper. 13 in. x 18 in.


Casa de los sueños de un coleccionista de trituradoras de carne. El edifico de arriba está construido a base de 4 fachadas iguales, presentandole un nuevo hogar cada vez que llega en globo. La estructura de abajo es un retrato mental de su constante cambio diario.



3. The Contortionist
Coloured Pencil and Graphite on Paper. 14.5 in. x 22.5 in.


Este rascacielos se curva y gira sobre sí mismo mientras a la mitad de su sección hay una terraza blanca enorme. La imagen está inspirada por el viejo truco de la magia de cortar a una persona por la mitad.



4. The Grass Grew There Mythically Tall
Coloured Pencil and Graphite on Paper. 22 in. x 16.5 in.


Dibujo que altera las propiedadades del cesped y explora su implicación arquitectónica. En primavera crece la hierba y la casa descansa sobre ella. Cuando el cesped se retira en invierno puede verse la estructura inferior.




5. In Its Time it Was the Largest Drafting Board in the World.
Coloured Pencil and Ink on Trace. 10.5 in. x 22 in.

Tablero de dibujo a lo largo de un edificio con fijaciones en las nubes.



Si quieres ver más cosas suyas ésta es su página.

Vía Dezeen


Audio:
spotify:track:6me2tFdWQKxoXLWIpvGHLe

martes, 21 de julio de 2009

SLAVE CITY


Plano de la ciudad

Slave City puede describirse como una distopía siniestra que a la vez es racional, eficiente y rentable (7 millones de euros netos de beneficios al año). Los conceptos de valores, ética, estética, moral, alimentación, energía, economía, organización, gestión y mercado han sido revertidos, mezclados y reformulados para concebir esta ciudad de 200.000 habitantes. Estos trabajan 7 horas al día en la oficina, otras 7 en campos o talleres, después les permiten 3 horas de ocio y 7 para dormir. Slave City es una ciudad ecológica y autosuficiente, produce su propia energía y recicla todo.
Así nos presenta Atelier Van Lieshout este campo de concentración tecnológicamente avanzado que parece directamente salido de "1984" o "Un Mundo Feliz".
Centro de Bienvenida

Antes de entrar a Slave City y convertirse en habitante hay que pasar por el Centro de Bienvenida. En este edificio es donde se selecciona a los participantes según la conveniencia de su llegada y trabajo posterior. Los ancianos, los enfermos y los feos son reciclados en biogas. A la gente sana y poco inteligente se la procesa en la fábrica de carne. A los jóvenes y muy sanos se les permite participar en el programa de transplante de órganos. Las personas sanas e inteligentes irán a trabajar a la ciudad.


Prostíbulos

A los habitantes de Slave City no se les paga por su trabajo, pero a cambio se les conceden algunos privilegios como el asistir a prostíbulos. En el prostíbulo para trabajadores de clase alta, de planta triangular, se puede elegir entre distintos tipos de placeres. En cambio, los esclavos de clase baja tienen menos donde elegir en burdeles modulares estilo Bauhaus.



Universidades

Aquí es donde se educa a los esclavos en la bondad y la eficiencia. La maqueta de arriba representa la Universidad de los Esclavos Hembra y la de abajo la Universidad de los Esclavos Macho. El régimen de los estudiantes es similar al de los trabajadores: 7 horas de estudio, 7 horas de trabajo en el campo, 3 horas de ocio y 7 horas de sueño. En estos edificios los profesores son los únicos que reciben retribuciones por su trabajo.



Vajilla de Slave City

Vajilla de Slave City decorada con escenas cotidianas de la vida y actividad de los departamentos de la ciudad, tales como Recursos Humanos, Producción de Energía, Motivación y Relajación o Transplante de Órganos.


Audio:
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lunes, 20 de julio de 2009

JULIUS SHULMAN

Julius Shulman, el fotógrafo que documentó las imágenes icónicas del movimiento moderno americano murió el 16 de Julio.
Las fotos de Shulman no solo presentaban la arquitectura, si no también el estilo de vida asociado a ella. La mayoría de las casas que retrató fueron iconos del cine de Hollywood. Sus imágenes de la Casa Kauffman de Richard Neutra en Palm Springs y de la Case Study No. 22 de Pierre König en Los Angeles forman parte de la historia de la fotografía arquitectónica.




1. Spencer Residence, 1950 Santa Monica, CA / Richard Spencer, architect © Julius Schulman
2. Case Study House #21, 1958 Los Angeles, CA / Pierre Koenig, architect © Julius Schulman
3. Case Study House #22, (playboy), 1960 Los Angeles, CA / Pierre Koenig, architect © Julius Schulman
4. Case Study House #22, (daytime pool), 1960 Los Angeles, CA / Pierre Koenig, architect © Julius Schulman
5. Kaufmann House, 1947 Palm Springs, CA / Richard Neutra, architect © Julius Schulman


Fotos vía Plataforma Arquitectura


Enlaces de interés:
Julius Shulman (1910-2009)
en Plataforma Arquitectura
Julius Shulman died at 98
en Taschen (gracias Edgar)
Arquitectura moderna, la mala de la película
en Plataforma Arquitectura
Julius Shulman, Modernity and the Metropolis (Getty Exhibitions)
Julius Shulman en Wikipedia


Audio:
spotify:track:370fdDgh6c6ImbuKAWwz6M
spotify:track:16tlF0tpNePPcoIkCwbRZL

miércoles, 27 de mayo de 2009

EXPOSICIONES

Estoy en Barcelona y aquí os dejo mis recomendaciones para esta semana:

QUINQUIS DE LOS 80. CINE, PRENSA Y CALLE



Navajeros, el Pico, el Torete, el Vaquilla y todos los delicuentes juveniles de las películas de los 80. Aquí os dejo el programa según el CCCB:

Quinquis de los 80: cinema, prensa y calle

El punto de partida de «Quinquis de los 80» es la figura del quinqui acuñada por el fenómeno del cine de delincuencia juvenil. Los códigos de representación de la delincuencia juvenil del cine quinqui han pervivido hasta la actualidad de tal manera que el estereotipo del quinqui, sometido a un proceso de estetización, continúa hoy en día ejerciendo una fascinación desenfrenada.

Los barrios de los setenta: polígonos, paro y depresión

Durante los sesenta se pusieron en marcha, ante el déficit de vivienda barata, los planes de urgencia social. El resultado fue un urbanismo de pésima calidad, con unos barrios sin los servicios más básicos, hecho que precipitó la aparición de los movimientos vecinales. La crisis de los setenta y el paro acabaron por convertir estos barrios en el territorio germinal del quinqui.

Nuevas formas de ocio

Aquella generación de jóvenes fue partícipe, por primera vez en nuestro país, de las corrientes de la cultura juvenil. En la sala de juegos se presentan los elementos de evasión del estilo de vida adolescente: los colegas, el sexo y las drogas; así como las manifestaciones de la cultura popular que proyectaban imágenes afines de rebeldía, escapismo y marginalidad, como el cómico o la música.

Vía Límite

En 1975 un 25% de la población mayor de 14 años quedaba excluida del sistema educativo. La edad laboral -como la penal- se situó en los 16 años, así que para muchos jóvenes sólo quedaba la calle. Además, la irrupción de la heroína hizo estragos. En un clima de alarma social, amplificada por los medios de comunicación, el delincuente juvenil se convirtió en el enemigo público número uno.

Quinqui-Stars

La presencia que los jóvenes delincuentes tenían en los medios de comunicación es clave para entender su iconización. El Vaquilla y El Jaro son las estrellas más brillantes de este universo, auténticos héroes de la marginalidad, gracias a los biopics cinematográficos: Navajeros, la saga Perros callejeros y Yo, El Vaquilla. Estas películas conforman la médula del cine quinqui.
El reformatorioEl Tribunal Tutelar de Menores disponía de tres opciones para tratar el problema de la delincuencia infantil. La primera era devolver el niño a casa, si los padres accedían a ello. La segunda era internarle en un reformatorio. La tercera opción, reservada a los más peligrosos, era su ingreso en prisión. Ante la falta de plazas especiales, muchos ingresaban en las prisiones de adultos.

Desde las azoteas, veo la ciudad

A la obsolescencia de las instalaciones carcelarias, debía sumarse los problemas derivados de la superpoblación y la escasez de recursos. La herencia franquista dejaba un sistema basado en la versión más represiva y punitiva. La situación estalló con la ola de motines de 1977, que desembocó en la creación de la COPEL (Coordinadora de Presos Españoles en Lucha).

La pervivencia del mito

Este ámbito aborda la pervivencia que el fenómeno quinqui ha tenido después de su auge y del final trágico de muchos de sus protagonistas, tanto en la ficción como en la realidad. De la mano de una nueva generación, se produce una pirueta estética mediante la cual el quinqui de los ochenta se erigió en icono castizo cool. El mito hoy, especialmente en Internet, vuela libre.


TURISMO. ESPACIOS DE FICCIÓN

Link: Turismo. Espacios de ficción



Vídeo de Balzac TV. Gracias Gina


Exposición en Disseny Hub Barcelona sobre la industria del turismo y su producción. Análisis del sector y proyectos reales, futuros o imaginarios. Copio aquí lo que dice el propio DHUB sobre la exposición:

Playas y montañas, bosques y ciudades, héroes y malvados.Parajes reales o paraísos soñados representan hoy el anhelo de millones de personas. Anhelos del paraíso por el que todos estamos dispuestos a pagar un precio.
El turismo, hoy en día, es la primera actividad económica mundial, una industria capaz de proporcionarnos todos los deseos, capaz de reproducirlos, capaz de construirlos. Y el turista es el habitante de estos anhelados espacios de ficción.
La primera exposición del Disseny Hub Barcelona quiere aproximarnos a la realidad de una industria enorme y a los diseñadores que la proyectan. Esta es, sin duda, una relación compleja, llena de contrasentidos y de momentos dulces. Igual que la sociedad en la que vivimos.

Programa "Turismo. Espacios de ficción"

"Turismo. Espacios de ficción" forma parte de un programa de actividades que, con el mismo nombre, se desarrolla en el DHUB en torno al turismo desde la planificación, el proyecto y el diseño.Y se lleva a cabo conjuntamente con el Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC), con la exposición "La arquitectura del turismo"; la Associació de Dissenyadors Gràfics i l’Associació de Dissenyadors Industrials del FAD, con la exposición "Low Cost"; el master de la UPC Intelligent Coast, con el estudio de investigación MultiRambles, y con producciones propias del Disseny Hub Barcelona como la exposición "Turismo. Espacios de ficción "y "Efecto Souvenir".


Y para terminar algo de música. Hoy: grupos que van al Primavera Sound 2009

Wild Eyes / Vivian Girls
Always Wanting More / Jay Reatard
Days of Last / Fucked Up


http://open.spotify.com/user/manolofernandez/playlist/5GFKcIaroIgdgq1sOWvBnc
spotify:user:manolofernandez:playlist:5GFKcIaroIgdgq1sOWvBnc

jueves, 14 de mayo de 2009

martes, 12 de mayo de 2009

JONATHAN HOROWITZ. APOCALIPTO NOW

Imagen cortesía de Museum Ludwig, Köln

Jonathan Horowitz ha producido una película para el Museo Ludwig donde combina imágenes de documentales sobre el cambio climático con cine catastrofista hoollywoodiense e imágenes del 11S. Horowitz conecta la industria del entretenimiento con las ideas apocalípticas de fundamentalistas religiosos a través del momento en el que el terror irrumpe en la realidad. Todas estas conexiones acaban por coincidir en la figura de Mel Gibson, concretamente entrevistas personales donde explica como canaliza su energía (auto) destructiva a través del arte y la religión. El actor se volcó hace años en la fé católica para superar un problema de adicción.
Jonathan Horowitz trabaja con video, escultura, instalación sonora y fotografía. Su obra explora de manera crítica las relaciones entre símbolo, media y cultura del entretenimiento, estableciendo conexiones subersivas de los ideales americanos. Sus temas habituales son política, propaganda, guerra, cine, consumo y fama. Actualmente se expone una retrospectiva de su obra en P.S.1, New York
Fotos de su obra en:
Gavin Browns Enterprise



Más imágenes de la proyección cortesía de Museum Ludwig, Köln



Recomendaciones musicales para hoy: los primeros singles de los Rolling Stones

Come On
Route 66
Can I Get A Witness
Carol
Little by Little


http://open.spotify.com/user/manolofernandez/playlist/2wTIbnUcWZe1GPTd7UPA0D
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lunes, 11 de mayo de 2009

ARQUITECTURA, DESASTRE GLOBAL Y ESTADO DE EMERGENCIA


El Museo Nacional de Arte de China inaugura esta semana la exposición Crossing: Dialogues for Emergency Architecture. La exposición, que abre el 12 de Mayo coincidiendo con el aniversario del terremoto de Wenchuan, revisa las desgracias del pasado, analiza las que están por venir y establece una plataforma de discusión e investigación acerca de la arquitectura post-catastrofe.
17 arquitectos han sido invitados a diseñar refugios de emergencia seguros, eficientes, agradables y bonitos para víctimas de catastrofes naturales (terremotos o huracanes) o sociales (epidemias). El 13 de Mayo habrá un symposium en el museo sobre prevención de catastrofes globales, protección del medio ambiente y reconstrucción.
Ayer ArchDaily publicó un artículo sobre uno de los proyectos, Epidemias, de I/K Studio. Los arquitectos reflexionan sobre la rapidez de contagio de enfermedades, la resistencia creciente de virus y bacterias a los medicamentos y las armas biológicas y se centran en la cuarentena como base de su trabajo: como separar a la gente infectada de la que no lo está y donde, qué características físicas debería tener ese espacio. Su investigación se centra en las siguientes preguntas:
¿Cual sería el espacio máximo y mínimo necesario para contener de forma segura una enfermedad contagiosa?
¿Cual es el espacio cultural de ansiedad social de los sanos vs. el espacio de alienación de los enfermos?
¿Quien tiene el poder de determinar el control de la cuarentena y la pérdida de libertades civiles asociada?
¿Cómo podemos crear un medio ambiente donde los grupos sociales, las familias y las comunidades se mantengan?
Como respuesta a estas preguntas y tomando como referencia las estructuras hinchables de Ant Farm y Tjebbe van Tijen en los años 60 y 70, I/K Studio propone el uso de superficies-membrana como material de separación entre los infectados y los no infectados, creando espacios burbuja en la ciudad.

Fotos del proyecto cortesía de ArchDaily

No puedo evitar preguntarme de que forma estas membranas responden al problema y las preguntas planteadas anteriormente. La idea que los arquitectos quieren transmitirnos es que un cerramiento de este tipo favorecería el diálogo social al minimizar la barrera entre ambas partes manteniendo las condiciones de seguridad. Para ello usan como referencia las propuestas de grupos de experimentación radical de los 60-70 y las estructuras hinchables de sus happenings. Al tratar una sala de cuarentena como un happening, la enfermedad y la muerte se convierten en espectáculo. La gente aislada en estas burbujas puede morir en plena calle y cualquiera puede asistir al evento. Los fotomontajes de proyecto son muy atractivos porque las salas de cuarentena están vacías. Si tuvieran gente agonizante dentro el efecto sería distinto.
Por otro lado la forma de abordar el proyecto es muy ingenua. Lo más importante para todo gobierno en un estado de emergencia no es el diálogo social, sino la vigilancia y el CONTROL. Y aquí el proyecto sí cumple las expectativas. La propuesta soluciona de forma muy efectiva el problema del control social durante epidemias.
En resumen: hablamos de AISLAMIENTO, HIGIENE, EXHIBICIÓN y VIGILANCIA (5), de La Casa de Cristal de Philip Johnson (1) (2), de La chica nómada de Tokio de Toyo Ito (3) (4), de Big Brother, de cámaras de seguridad, del papamóvil, del Facebook...





1. Casa de Cristal de Philip Johnson vía Matthew Langley Art Blog; 2 y 3. Proyecto "La chica nómada de Tokio" de Toyo Ito vía Inutil e Inestable; 4. Jade Goody del Gran Hermano Británico o la muerte en directo vía El Pais; 5. Cámara de vigilancia vía Visual Cam; 6. Benedicto en el Papamóvil vía negocios.com


Y para terminar algo de música. Hoy: grupos que van al Primavera Sound 2009

When You Sleep / My Bloody Valentine
Electricity / Spiritualized


http://open.spotify.com/user/manolofernandez/playlist/6iwQ3nLDVMPGjylvdRgZ2K
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lunes, 4 de mayo de 2009

PRADA TRANSFORMER

Foto cortesía de OMA


Fotos cortesía de Deezen


OMA ha diseñado para Prada el Stand Prada Transformer. Se trata de una estructura temporal compuesta por 4 formas de suelo distintas (cruz, circulo, hexagono y rectángulo) envueltas en una membrana translúcida que albergan diferentes programas. Cada uno de estos suelos es una cara de un tetraedro y el pabellón cambia de forma al girar sobre sus caras para dar cabida a exposiciones de moda, pasarela, festival de cine y exposiciones de arte este verano en Seúl.


Y para terminar algo de música. Hoy: grupos que van al Primavera Sound 2009

Starting to Dreaming / Wooden Shjips
Big Black Baby Jesus of Today / Black Lips
Hillbilly Music / Kitty, Daisy and Lewis


http://open.spotify.com/user/manolofernandez/playlist/3JThEJzVqIRuLxm4FdSbVH
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